“Monkey Quest”, l’ambiziosa nuova produzione della Toei Animation presentata lunedì ad Annecy, è nata da una semplice domanda, afferma il produttore Yoshi Ikezawa.
“(Il produttore) Joseph Chou e io ci siamo chiesti: come possono gli anime giapponesi raggiungere lo stesso livello di consapevolezza mainstream e connessione emotiva che i principali film d’animazione statunitensi hanno raggiunto con il pubblico globale?”
Per Ikezawa e Chou, la vera forza degli anime risiede nei suoi personaggi distintivi. “Gli anime hanno un’incredibile capacità di creare personaggi che il pubblico porta con sé per molti anni”, ha detto Ikezawa Varietà prima della presentazione del Work-in-Progress di “Monkey Quest” ad Annecy.
Per questo si sono rivolti a Naoto Oshima, il disegnatore originale dei personaggi dell’iconico personaggio dei videogiochi “Sonic the Hedgehog”. Ha iniziato a sviluppare un concetto ispirato alla leggenda di ‘Viaggio in Occidente’ e ci ha portato l’idea della storia e i personaggi originali” che Oshima sperava “potessero portare lo spirito e l’energia degli anime, diventando allo stesso tempo un’avventura familiare globale”, ricorda Ikezawa.
Il film, attualmente in post-produzione, segue la ragazzina di 12 anni Elle e suo fratello Adam di 1 anno mentre incontrano Okon (doppiato da Adam Devine), una scimmia con un potere straordinario come leggendario guardiano della Terra. Affrontano il malvagio Vex (doppiato da JK Simmons) in una ricerca che li porta attraverso paesaggi completamente diversi e scruta persino una dimensione oltre la nostra.
“L’idea originale (di Joseph Chou) era essenzialmente ‘Viaggio in Occidente’ nello spazio”, afferma il regista e sceneggiatore David N. Weiss, “e questa è diventata la base per tutto ciò che abbiamo fatto”. Weiss continua: “Ho letto diverse traduzioni del romanzo e sono rimasto colpito non solo dall’avventura ma dall’umorismo, dalla satira e dalla profondità emotiva che hanno reso la storia amata per secoli”.
La co-regista Stephanie Ma Stine (“Kung Fu Panda 4”) definisce la figura di Sun Wukong e le sue storie “sempreverdi” – ma non è sorpresa da questa longevità. “In ogni cultura e periodo storico, c’è stata una forte passione per il personaggio dell’imbroglione”, spiega. Weiss aggiunge che è stata presa molta licenza creativa, ma il team ha messo in atto questi cambiamenti cercando di rimanere fedele a quello che lui chiama lo spirito di trasformazione e redenzione al centro del mito originale.
Lo sviluppo e la pre-produzione sono iniziati negli Stati Uniti. Il piano originale era di portare la produzione in Giappone e coinvolgere a quel punto gli animatori giapponesi, dice Ikezawa.
Stati Uniti e Giappone si avvicinano sull’animazione
Tuttavia, il crescente interesse globale per gli anime ha in qualche modo spostato questi piani. “Mentre il progetto si sviluppava, ci siamo resi conto che molti dei migliori animatori e artisti di tutto il mondo erano cresciuti amando gli anime giapponesi”, aggiunge Ikezawa. “Non vedevano gli anime come qualcosa di estraneo a loro, li vedevano come parte del loro linguaggio creativo.”
Da questo momento il progetto è diventato più globale, espandendosi anche oltre gli Stati Uniti e il Giappone mentre il team si allargava ad animatori di altri paesi. “La parte giapponese ha portato la storia, l’abilità e la disciplina della produzione di anime. La parte americana ha portato un forte senso della struttura della storia, delle emozioni dei personaggi e dell’intrattenimento globale per la famiglia. E gli artisti internazionali hanno portato la loro passione e il loro punto di vista. Questo è ciò che ci ha fatto sentire vivo il progetto.”
Riguardo a questa collaborazione internazionale, i registi del film hanno tutti espresso entusiasmo nel lavorare con Toei Animation, per quanto riguarda la lunga storia menzionata da Ikezawa.
“Sono cresciuto guardando i cartoni della Toei: il mio preferito era ‘Sailor Moon'”, afferma Stine. “Essere parte di questa storia, anche se come una piccola goccia nell’oceano, significa più di quanto possa trasmettere in un breve lasso di tempo.”
Weiss ha sottolineato quanta fiducia hanno provato da parte di Toei durante la produzione, affermando che “le note arrivavano sempre con mano gentile”. Aggiunge: “In molti modi, mi ha ricordato la cultura speciale che Sherry Lansing ha coltivato durante i miei anni alla Paramount: la sensazione che lo studio volesse sinceramente che tu avessi successo”. Stine concorda con Weiss sul senso di sostegno da parte dei produttori Yoshi Ikezawa e Tim Kwok. “Ci hanno anche nutrito molto bene, il che è sempre molto apprezzato”, scherza.
Forse l’idea progettuale più sorprendente di “Monkey Quest” è stata la decisione di fondere animazione 2D e 3D, spesso utilizzando strati di animazione 2D disegnati a mano sopra l’animazione 3D CG. Lo studio Sanzigen si è occupato di questa parte della produzione, riservata a quando il film toccava la dimensione ‘eterea’ da cui proviene Okon.
Il disegnatore dei personaggi e co-regista Takao Noguchi ha parlato della filosofia dietro l’aspetto del personaggio al centro di entrambe le metodologie. “L’attenzione si è concentrata su sagome chiare e riconoscibili”, afferma. “In questo progetto, abbiamo anche incorporato forme ispirate ai kanji ed elementi di design simbolici collegati al ruolo di ciascun personaggio, che hanno contribuito a rendere il cast più unico ed espressivo.”
Durante la sessione di lavoro in corso, dando consigli a uno studente curioso, Stine ha riflettuto sulla ritrovata vicinanza tra l’animazione a Hollywood e l’animazione in Giappone: parlando delle diverse pratiche nello storyboard (l’approccio compartimentato dell’animazione classica di Hollywood rispetto alla versione più olistica negli anime), ha notato che molti si stanno spostando verso l’approccio anime, dove gli artisti dello storyboard mantengono più informazioni.
“Monkey Quest” sembra essere una celebrazione ed esplorazione di questa ritrovata vicinanza in questi diversi metodi, un team ibridato che crea arte ibrida.